Peindre en dehors des lignes: sur la vie et l'œuvre de l'artiste abstrait Emily Mason
Emily Mason savait l'importance de documenter une vie, en particulier la vie d'un artiste. La première fois que je l'ai rencontrée, c'était quand nous avons mis en place une monographie sur sa mère, l'artiste abstraite Alice Trumbull Mason. « Ce livre a été conçu comme un hommage à la vie de ma mère et un témoignage de la persévérance de son noyau intérieur », a écrit Mason dans l'avant-propos. Elle est décédée en décembre 2019, cinq mois avant la publication du livre sur sa mère. Parfois, il a l'impression que Mason a simultanément jeté les bases Pour comment faire un livre sur elle, qui se sent idéalement comme une extension de l'artiste, même en son absence.
Né en 1932 à Manhattan, Mason était vraiment un produit de la scène artistique de New York. Elle a grandi en peignant dans le studio Uptown de sa mère et en absorbant les conversations et les idées des amis et des autres artistes de sa mère: Elaine et Willem de Kooning, Josef Albers, Ray Johnson, pour n'en nommer que quelques-uns. Comme Alice Trumbull Mason, Emily Mason a choisi de faire de l'art abstrait, bien que d'un type très différent – alors que sa mère a fait des peintures géométriques soigneusement planifiées, les peintures de Mason étaient des lavages de couleur intuitifs. Cette lignée artistique a fait une impression sur Mason à bien des égards, mais ce qui me frappe, c'est sa volonté héritée de poursuivre sa vision, quelle que soit sa réception à l'époque. En d'autres termes, elle était engagée dans son travail.
Pool Sapphire, Emily Mason.
Comme Barbara Stehle l'observe dans son essai révolutionnaire pour ce livre, il y avait des inconvénients à grandir parmi les artistes de si grande personnalité – elle a dû comprendre comment se tailler. Ferme, Mason a développé sa propre langue artistique tôt, celle de son approche de la couleur. Elle a mélangé ses peintures d'huile directement sur la toile et s'est abstenue d'utiliser du blanc ou du noir pour modifier ses couleurs. Chaque œuvre d'art est devenue une brillante patchwork, le résultat de «une série de mouvements, comme un jeu d'échecs», comme l'a dit Mason.
Le tournant de Mason s'est produit à l'âge de vingt ans, lorsqu'elle a passé un été à la Haystack Mountain School of Crafts du Maine. Elle a souvent fait référence à la journée charnière lorsque Jack Lenor Larsen, le fondateur de l'école, a suspendu des écheveaux colorés de laine et illustré comment une couleur pourrait infléger et en transformer un autre simplement en étant côte à côte. Le fait que Mason ait tracé les graines de sa vision à une leçon de métier n'est pas une coïncidence – elle a traité la peinture comme un matériau, de la même manière qu'elle traiterait le fil. « Ce n'est pas une exagération de dire qu'Emily Mason est l'un des rares peintres américains pleinement liés au début de la vie pédagogique du mouvement artisanal du studio dans les années 1950 et 1960 », écrit Jenni Sorkin dans son essai clos. Sorkin expose comment la relation de Mason avec l'artisanat la distingue non seulement de la lignée de sa mère mais aussi de ses propres contemporains.
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Comme plus d'artistes que le dossier historique est enclin à l'admettre, Mason n'appartenait pas parfaitement à un mouvement artistique – et elle était plein de ressentiment lorsqu'on lui a demandé d'en choisir un, ce qui signifiait souvent choisir l'expressionnisme abstrait. La critique d'art David Ebony, qui était proche de Mason et a produit le premier livre sur son art en 2006, dit qu'il en a souvent parlé avec l'artiste – comment elle «n'a pas vraiment pris» aucune catégorie, et comment elle «était très contente de cela».
C'est l'une des nombreuses anecdotes spéciales que Ebony partage dans une conversation ronde publiée dans Emily Mason: inconnu de la possibilité Avec les artistes Nari Ward (un ancien étudiant de Mason's), Carrie Moyer et Steven Rose, qui est également la directrice de la Fondation Emily Mason et Alice Trumbull Mason. Au cours de cet échange animé, nous les entendons réfléchir à l'héritage de Mason et se souvenir de ce qu'elle était en tant que personne, collègue et enseignante – elle est devenue un élément important au Hunter College, où elle a enseigné pendant plus de trente ans, et était connue pour avoir inspiré ses étudiants à expérimenter. «(Elle) a éveillé quelque chose en moi à cette notion d'inventer ma propre approche plutôt que de réfléchir à la bonne façon de faire quelque chose», explique Ward.
L'une des points de vente les plus riches de Mason pour l'expérimentation était en fait dans ses impressions, superposant des couleurs qui maintenaient la même qualité transparente de ses huiles. «Ils sont comme peindre en cubes», observe Moyer. Et en effet, Mason a vu ses imprimés comme des «peintures imprimées», sur le même avion que ses huiles. Comme beaucoup d'autres artistes, elle n'a pas compartimenté ses médiums; Les peintures, les imprimés et les huiles sur papier étaient tous en conversation les uns avec les autres. La section des plaques de la monographie le souligne dans de belles paires de résonance choisies par Steven Rose.
Comme pour ses peintures, Mason se réjouissait de la nature quelque peu imprévisible de faire des imprimés – comment elle ne pourrait jamais savoir à quoi ressemblerait l'image après avoir traversé la presse. Pour Mason, ses meilleures œuvres – les médiums de l'achat – sont venus de la célèbre contrôle, se permettant de devenir un «conduit» pour l'inconnu. Dans son essai, Stehle soutient de manière convaincante que de tous les gens que Mason a rencontrés dans la scène de New York dans sa jeunesse, John Cage était l'un des plus influents, en particulier son dicton «écartez-vous de votre esprit», qui est devenue une sorte de mantra pour elle. «Mason, comme Cage, a cultivé l'art de lâcher prise», écrit Stehle. C'est dans cet esprit que nous sommes arrivés au sous-titre de ce livre: «Inconnu To Possibilité», le titre d'une peinture jaune 2012 que Mason a tiré d'un poème d'Emily Dickinson, son homonyme:
Ce que je peux faire – je vais …
Bien que ce soit peu comme une jonquille –
Que je ne peux pas – doit être
À l'insu de la possibilité –
Ce verset distille une grande partie de l'art et de la personne de Mason: ouvert, humble, enchevêtré de nature. Car alors qu'elle restait à New York toute sa vie, elle a également passé les étés de ses cinquante dernières années à Brattleboro, au Vermont. Son studio était un poulailler réutilisé, les portes larges toujours ouvertes aux arbres. «C'était comme si elle peignait dans la nature», écrit Stehle. «Sa proximité a permis à son travail.»
«Pourquoi n'est-elle pas plus célèbre?» Le critique Jackson Arn demande Mason dans une pièce en 2024 dans le New-Yorkaisla félicitant comme «l'une des peintres abstraits de l'école de New York les plus ravissants», ainsi que «les plus sous-estimés». Quand j'ai lu ces phrases d'ouverture de la pièce d'Arn, je n'ai pas pu m'empêcher de penser à ce qui a également été dit d'Alice Trumbull Mason. « Je serai célèbre quand je serai mort », disait l'artiste elle-même. Les deux ont fait face à des obstacles en tant que femmes artistes, ainsi que les artistes qui choisissent des formes d'abstraction impopulaires à leur époque. Et tandis que Mason et son mari avaient une relation riche en échange créatif, sa carrière a finalement pris priorité sur la sienne. C'est un modèle triste de voir ces monographies publiées qu'après la mort des artistes. Mais bien que nous ne puissions pas changer le passé, nous pouvons influencer l'avenir en continuant à raconter leurs histoires, en documentant leur vie remarquable comme ils le souhaitaient et le méritaient.
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