À Chicago, 3 spectacles qui captivent et captivent le public
L'adaptation musicale de « Minuit dans le jardin du bien et du mal » qui est présentée au Goodman Theater intègre une bonne dose de travail avec les foules. Dans un dernier coup de théâtre à la fois radical et exaltant, un personnage entraîne les spectateurs dans une utilisation collective de leurs programmes.
Bien que les trois spectacles que j’ai vus lors d’un récent week-end à Chicago soient très différents les uns des autres, je n’ai cessé de penser à leur relation avec leur public respectif. C’est en voyant « Minuit dans le jardin du bien et du mal » que j’ai commencé à réfléchir à cela.
Inspirée du best-seller de John Berendt, qui raconte un crime réel survenu dans les années 1980 à Savannah, en Géorgie, la comédie musicale, qui sera à l'affiche jusqu'au 11 août, a supprimé certains personnages hauts en couleur (au revoir, Joe Odom) et condensé les événements (les querelles juridiques qui occupaient une bonne partie du livre de Berendt défilent en quelques minutes). Mais le changement le plus important est un changement audacieux de perspective pour le spectacle, qui comprend un livre de Taylor Mac et une musique de Jason Robert Brown.
Le chroniqueur omniprésent de Berendt, c’est désormais nous, les spectateurs, à qui les personnages s’adressent souvent directement depuis la scène. Cela trouvera un écho particulier chez ceux qui connaissent la manière dont Mac intègre le public dans un récit (comme Mac l’a notamment fait avec l’épopée de 2016 « A 24-Decade History of Popular Music »). Une autre préoccupation clé de Mac est la hantise de l’Amérique par son passé, un aspect particulièrement pertinent lorsqu’il s’agit de l’auto-mythification de Savannah de sa lignée. « Sortez de ma tête, sales démons de la douleur historique ! » dit à un moment Lady Chablis (J. Harrison Ghee, lauréate d’un Tony Award pour « Certains l’aiment chaud »). Elle fait référence à sa propre histoire, mais il est difficile de ne pas entendre une référence plus large.
Chablis, artiste exubérant et force vitale inébranlable, est passé de la périphérie du livre au centre du spectacle, et la performance de Ghee, langoureuse mais tranchante, est un délice. Le numéro de boîte de nuit « Let There Be Light » pourrait utiliser un peu plus de tension, mais le réalisateur Rob Ashford et la chorégraphe Tanya Birl-Torres sont globalement trop timides dans les scènes les plus éclatantes.
L'autre point central de la série est Jim Williams (Tom Hewitt), un riche antiquaire et restaurateur de meubles qui tue son jeune amant, Danny Hansford (Austin Colby). En fait, le livre de Mac est structuré autour de deux façons d'être queer dans le Sud il y a 40 ans. L'outsider Chablis est le Puck de Savannah, qui répand la joie et débite des vérités ; Jim est à la fois accepté et rejeté par l'élite de la ville – personnifiée par la Ladies Preservation League, dirigée par Emma Dawes (Sierra Boggess, révélant des talents comiques jusqu'alors sous-utilisés).
La juxtaposition de ces deux styles n'est pas toujours harmonieuse, d'autant plus que la partition jazz de Brown est plus proche de celle, moins bonne, de « Honeymoon in Vegas » que de celle, superbe, de « The Bridges of Madison County ». Pourtant, le spectacle est aussi intrigant que difficile à manier, et si proche de fonctionner.
Le public est également présent dans « Le Seigneur des anneaux : un conte musical », qui se déroule au Chicago Shakespeare Theater jusqu'au 1er septembre. Anticipant une pratique active du cosplay, le guide des visiteurs précise que « bien que les Hobbits ne portent pas de chaussures, nous demandons à tous nos spectateurs d'en porter ! » (Les hobbits du spectacle portent en fait des sandales.) Bien que je n'aie pas vu beaucoup de costumes du public, à part quelques capes et oreilles d'elfes, la production de Paul Hart utilise les recoins et les fissures de l'auditorium pour immerger les spectateurs dans l'intrigue.
Alors que Peter Jackson avait besoin de trois très longs films pour raconter la saga de JRR Tolkien, les auteurs du livre Shaun McKenna et Matthew Warchus n'ont ici qu'un peu plus de trois heures, donc naturellement il y a beaucoup de raccourcis. Cela rend l'histoire difficile à suivre si vous ne la connaissez pas déjà, mais le public peut combler les lacunes. (Un hommage à Tom Bombadil a été accueilli par un rire chaleureux.)
La première version de la comédie musicale a été créée en 2006 à Toronto (« très chère, largement incompréhensible », a écrit Ben Brantley dans le New York Times) et a été déplacée dans le West End en 2007. Elle a été réorganisée l'année dernière pour le petit Watermill Theater, dans le Berkshire, et c'est une version de cette production qui est maintenant à Chicago.
Il s'est avéré que la manière la plus simple et la plus allusive de s'attaquer à l'immense toile de Tolkien était de faire preuve de petites subtilités, car il était impossible de restituer ces épisodes à grande échelle sur scène. En général, les scènes d'action et même les numéros musicaux, qui sont portés (ou non) par la bande originale folklorique d'AR Rahman, Värttinä et Christopher Nightingale, sont moins efficaces que lorsque la série laisse simplement les personnages principaux interagir les uns avec les autres. Spencer Davis Milford, par exemple, est un Frodon Sacquet touchant, et Tony Bozzuto livre une performance athlétique impressionnante dans le rôle de Gollum, oscillant de manière appropriée entre l'effrayant et l'humour noir.
Cela s'applique également à la conception. La meilleure partie du décor de Simon Kenny est une conception relativement simple qui, aidée par l'éclairage de Rory Beaton et les projections de George Reeve, peut passer d'un nœud de bois à l'Œil de Sauron à une évocation de l'éruption du Mont Doom.
Les attentes du public étaient d'un tout autre ordre au Steppenwolf Theater : Laurie Metcalf, une héroïne locale, était enfin de retour. Son lien avec ses anciens lieux de prédilection serait-il toujours là ?
La nouvelle pièce « Little Bear Ridge Road », à l'affiche jusqu'au 4 août, est centrée sur deux personnages principaux, mais seule Metcalf apparaît sur l'affiche. On comprend facilement pourquoi : après 14 ans d'absence, elle est de retour dans la troupe influente dont elle a rejoint l'ensemble en 1976.
Metcalf est considérée comme l’une des étoiles les plus brillantes de la scène américaine, et elle est, en effet, extraordinaire dans le rôle de Sarah, une infirmière bourrue qui retrouve son neveu tout aussi bourru, Ethan (Micah Stock, nommé aux Tony Awards en 2015 pour « It’s Only a Play »). L’actrice et son personnage sont si intimement liés qu’il est impossible de détecter une quelconque couture. Si Sarah semble taillée sur mesure pour Metcalf, c’est parce qu’elle l’est : après que l’actrice et le réalisateur Joe Mantello, un collaborateur de longue date, ont exprimé leur intérêt pour un spectacle ensemble à Chicago, Steppenwolf a demandé à Samuel D. Hunter (« The Whale », « Greater Clements ») d’en écrire un. C’est un merveilleux retour à l’époque où l’on écrivait sur mesure pour une star, même si dans ce cas Hunter a créé bien plus qu’un simple véhicule.
Comme la plupart de ses histoires, « Little Bear Ridge Road » se déroule dans une petite ville de l'Idaho. Ethan est parti, mais s'est retrouvé à Seattle et a dû vendre la maison de son défunt père. Le ton brusque et souvent impatient de Sarah et lui cache à peine leur affection mutuelle. Metcalf et Stock sont particulièrement doués pour faire rire les gens avec des répliques dont la piqûre frappe au moindre retard. « Pendant tout ce temps, tu as pensé que j'avais un problème avec le fait que tu sois homosexuel » Sarah dit à Ethan. » C'est la chose la plus intéressante chez toi. «
La série regorge de richesses à explorer dans cet espace, disons donc simplement que certaines des scènes les plus drôles impliquent les personnages qui se lient d'amitié autour des émissions de télévision qu'ils regardent ensemble. En me délectant de ces moments, j'ai réalisé à quel point le théâtre traite peu de notre relation avec la télévision. Hunter expose la façon dont nous passons au peigne fin les histoires inventées de la télévision (et la « réalité ») pour éviter d'évoquer directement ce que nous vivons réellement. Mais il souligne également comment ce processus peut nous aider à exprimer ce que nous avons en tête. Dans tous les cas, « Little Bear Ridge Road » est un rappel puissant et émotionnel que nous ne sommes pas des spectateurs passifs.
